l'Assomption De Marie

Peinture à l'huile sur panneau mesurant 50 x 37 cm sans cadre et 67 x 57 cm avec cadre ancien représentant l'Assomption de la Vierge par le peintre Francesco Mati ( Florence 1561 - 1623 ) également connu sous le nom de Cecchino del Legnaiuolo.

Francesco Mati, également connu sous le nom de Cecchino del Legnaiuolo, est un peintre né à Florence en 1561. Il se forme auprès d'Alessandro Allori et participe à des travaux décoratifs tels que les grotesques du premier corridor des Offices et le salon de la villa des Médicis à Poggio a Caiano. Parmi ses premières œuvres indépendantes figurent quelques batailles monochromes pour des contrats commémoratifs temporaires. Il s'inscrit à l'Accademia del Disegno en 1581 et continue d'en être membre et d'en payer les cotisations jusqu'à sa mort. Au tournant du siècle, il devint un peintre de retables apprécié, principalement destiné à la campagne florentine, où il combinait assidûment les instances de la Contre-Réforme avec un dessin et un coloris de qualité.

L'histoire de l'Assomption de la Vierge se développe de la même manière que celle de la mort de la Vierge : la source est le transitus Mariae progressivement enrichi d'ajouts et d'interprétations.

Dans ce tableau, on peut voir comment le peintre a essayé de raconter l'importance de Marie à travers les couleurs très vives et délicates et les danses des anges, vraiment nombreux et heureux ; en bref, ici le concept de l'Assomption est parfaitement expliqué, particulièrement important pour le monde catholique avec Marie qui est enlevée au ciel par une série d'anges qui l'élèvent au paradis ; également au moment de l'Assomption, on peut voir comment l'auteur réussit à donner à Marie une attitude de confiance pieuse dans la valeur divine.

Le mouvement des nuages a plusieurs fonctions : il souligne le mouvement ascendant de Marie, s'ouvre pour montrer le chemin vers le ciel et donne beaucoup de sérénité grâce à des couleurs chaudes et bien réalisées ; même au moment de l'Assomption, Marie présente sa longue chevelure comme symbole de virginité.

Une peinture d'une intensité et d'une manière remarquables, l'auteur a réussi à réunir une série de personnages admirables dans un panneau de taille petite à moyenne ; le peintre représente tous les protagonistes dans des poses différentes sans alourdir la scène, mais plutôt en mêlant habilement leurs actions à une palette de couleurs chaudes, vives et émotionnelles qui expliquent parfaitement l'amour et la douceur de la scène dépeinte.

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Ms. Riccardo Moneghini
Historien de l' Art