Dépôt Du Christ

XIXe siècle, par Caravage

Dépôt du Christ

Huile sur toile, 53 x 42 cm

Avec cadre, 66 x 54 cm

L’œuvre en question, une huile sur toile insérée dans un cadre doré, récupère le célèbre modèle iconographique de La Déposition, considéré comme l’un des chefs-d’œuvre majeurs du Caravage. Réalisée entre 1602 et 1604, cette toile, actuellement conservée dans la Pinacothèque Vaticane, représente l’un des sommets de la production artistique du Merisi qui, avec son style unique caractérisé par un fort réalisme et une utilisation dramatique de la lumière et de l’ombre, nous offre une représentation crue et touchante de la scène du dépôt du Christ de la croix. Commandée par Girolamo Vittrice pour la chapelle de famille à Santa Maria in Vallicella (Nouvelle Église) à Rome, en 1797 elle fut incluse dans le groupe d’œuvres transférées à Paris en exécution du Traité de Tolentino, Entrée dans la Pinacothèque de Pie VII après sa restitution en 1816.

L’artiste ne représente pas en réalité le moment de l’enterrement, ni la Déposition dans la manière traditionnellement connue, puisque dans ce cas le Christ n’est pas représenté dans l’acte d’être descendu dans la tombe, mais quand, à la présence des pieux femmes, est déposé par Nicodème et Jean sur la Pierre de l’Onction, la pierre tombale avec laquelle le sépulcre fut fermé. Autour du corps du Christ se disposent la Vierge, Marie-Madeleine, Jean, Nicodème et Marie de Cléopâtre, sur la droite, qui lève les bras et les yeux vers le ciel dans un geste de très haute tension dramatique.Le Caravage, arrivé à Rome en 1592, fut le protagoniste d’une véritable révolution artistique concernant la manière de traiter les sujets, l’utilisation de la couleur et de la lumière, et il fut sans doute la personnalité la plus importante du courant "réaliste" de la peinture du XVIIe siècle. La lumière joue ici un rôle fondamental : l’intensité frappe les figures au premier plan, créant de forts contrastes avec les ombres profondes, rendant la scène encore plus dramatique et réaliste. 

Plusieurs artistes au cours de l’histoire ont repris ce modèle iconographique, en donnant une vision personnelle. Sur tous, voir la Déposition réalisée par Pieter Paul Rubens entre 1612-14, aujourd’hui conservée à la National Gallery of Canada : par rapport à la version du Caravage, plus intime et douloureuse, Rubens offre une interprétation plus grandiose et théâtrale de l’événement. Sa déposition est une œuvre de célébration qui exalte la figure du Christ et son sacrifice.

Un autre parallélisme iconographique pourrait être tracé dans le célèbre tableau La mort de Marat (1793, Royal Museums of Fine Arts of Belgium) : le bras de Marat, laissé sur le drap, rappelle de manière évidente le bras du Christ dans la déposition de Caravage; La blessure sur le torse du politicien, dont jaillit le sang, rappelle aussi la plaie sur le côté du Christ, symbole de sa passion et de son sacrifice.

David, par l’utilisation d’éléments iconographiques propres à la tradition chrétienne, entend élever Marat en une figure presque mythique, un martyr de la cause révolutionnaire. De cette façon, la mort de Marat devient un événement d’importance historique et universelle, un sacrifice pour un idéal plus grand.

L’objet est en bon état de conservation