Expédition dans les eaux orageuses, attribuée à l'artiste italien Francesco Guardi

La splendeur de la mer tragique

Francesco Guardi et la peinture maritime dans l'art vénitien

(Ce texte est traduit avec google translate.)
Aucun peintre vénitien n'était étranger à la mer. Après tout, Venise n'était pas seulement l'un des ports les plus importants de la Méditerranée, mais bien une ville littéralement submergée dans l'océan de temps en temps. Curieusement cependant, la célèbre école de peinture vénitienne s'est peu intéressée aux motifs maritimes, privilégiant les scènes de l'architecture emblématique de la ville plutôt que les marines. C'est pourquoi ce tableau est une fenêtre particulièrement intéressante non seulement sur le peintre Francesco Guardi lui-même, mais sur l'importance de l'élément eau dans l'histoire de l'art, aussi bien absent qu'au centre de l'attention.

Qu'il s'agisse de journées calmes et ensoleillées avec une vue imprenable sur les palais le long des canaux de Venise ou, plus rarement, de naufrages orageux en mer, l'eau en tant qu'élément unificateur fait partie intégrante des œuvres du peintre Francesco Guardi (1712-1793). Au cours de sa vie, l'art vénitien a vu nombre de ses plus grands triomphes avec des noms comme Tiepolo ou Canaletto gagner une reconnaissance internationale et établir fermement Venise comme l'une des communautés artistiques les plus dynamiques d'Europe. Alors que la ville elle-même était déjà au 18ème siècle une sorte de premier lieu touristique où les aristocrates et la haute société se rendaient lors de leur grand tour ou de leurs voyages, les artistes ont également contribué à la renommée et leur travail a répandu l'image de Venise comme la ville de la romance et de la romance. loisirs à un public international, dont beaucoup ne pourraient jamais se rendre en personne.

Aujourd'hui encore, l'image emblématique de Venise avec son éventail fantaisiste de palais, d'églises et d'autres bâtiments historiques est très influencée par ces artistes, dont beaucoup ont très bien résisté à l'épreuve du temps et restent parmi les plus aimés de tout l'art. l'histoire. Ce n'était pas principalement la subtilité, les significations intellectuelles ou les idéaux moraux que l'art vénitien essayait de capturer; c'était plutôt le dynamisme de la vie et la ville au rythme effréné avec des palais en ruine et des gens festifs qui rendaient cette atmosphère si spéciale. Bien sûr, Venise pouvait compter parmi ses habitants des peintres de la plupart des genres, du portrait aux motifs religieux, en passant par la peinture d'histoire et bien d'autres. Pourtant, ce sont les Vedutas et les vues de la ville qui semblent s'être gravées dans notre mémoire plus que toute autre chose, notamment dans la tradition de Canaletto qui était peut-être le maître incontesté de tous les peintres vénitiens.

Né dans sa profession, Francesco a vécu et respiré la peinture toute sa vie. Son père, le peintre Domenico Guardi (1678-1716) est mort alors que Francesco n'était qu'un petit enfant, mais lui et ses frères Niccolò et Gian Antonio ont continué sur les traces de leurs pères. La famille Guardi appartenait à la noblesse et était originaire de la région montagneuse du Trentin, non loin des Alpes. Les frères ont travaillé ensemble sur des commandes plus difficiles et se sont soutenus à la manière typique des ateliers familiaux ou des réseaux d'artistes. Leur sœur Maria Cecilia n'a épousé personne d'autre que l'artiste Giovanni Battista Tiepolo lui-même, liant la famille au nom vénitien le plus renommé de l'époque. Pendant près d'une décennie, Guardi a travaillé dans l'atelier de Michele Giovanni Marieschi, parfois simplement connu sous le nom de Michiel, un peintre similaire à la fois dans le style et le motif. Canaletto est cependant l'artiste auquel Guardi est le plus souvent comparé car ils partageaient une fascination mutuelle pour la représentation de l'architecture et du paysage urbain de Venise.

La splendeur de la mer tragique

Francesco Guardi et la peinture maritime dans l'art vénitien

Aucun peintre vénitien n'était étranger à la mer. Après tout, Venise n'était pas seulement l'un des ports les plus importants de la Méditerranée, mais bien une ville littéralement submergée dans l'océan de temps en temps. Curieusement cependant, la célèbre école de peinture vénitienne s'est peu intéressée aux motifs maritimes, privilégiant les scènes de l'architecture emblématique de la ville plutôt que les marines. C'est pourquoi ce tableau est une fenêtre particulièrement intéressante non seulement sur le peintre Francesco Guardi lui-même, mais sur l'importance de l'élément eau dans l'histoire de l'art, aussi bien absent qu'au centre de l'attention.

Qu'il s'agisse de journées calmes et ensoleillées avec une vue imprenable sur les palais le long des canaux de Venise ou, plus rarement, de naufrages orageux en mer, l'eau en tant qu'élément unificateur fait partie intégrante des œuvres du peintre Francesco Guardi (1712-1793). Au cours de sa vie, l'art vénitien a vu nombre de ses plus grands triomphes avec des noms comme Tiepolo ou Canaletto gagner une reconnaissance internationale et établir fermement Venise comme l'une des communautés artistiques les plus dynamiques d'Europe. Alors que la ville elle-même était déjà au 18ème siècle une sorte de premier lieu touristique où les aristocrates et la haute société se rendaient lors de leur grand tour ou de leurs voyages, les artistes ont également contribué à la renommée et leur travail a répandu l'image de Venise comme la ville de la romance et de la romance. loisirs à un public international, dont beaucoup ne pourraient jamais se rendre en personne.

Aujourd'hui encore, l'image emblématique de Venise avec son éventail fantaisiste de palais, d'églises et d'autres bâtiments historiques est très influencée par ces artistes, dont beaucoup ont très bien résisté à l'épreuve du temps et restent parmi les plus aimés de tout l'art. l'histoire. Ce n'était pas principalement la subtilité, les significations intellectuelles ou les idéaux moraux que l'art vénitien essayait de capturer; c'était plutôt le dynamisme de la vie et la ville au rythme effréné avec des palais en ruine et des gens festifs qui rendaient cette atmosphère si spéciale. Bien sûr, Venise pouvait compter parmi ses habitants des peintres de la plupart des genres, du portrait aux motifs religieux, en passant par la peinture d'histoire et bien d'autres. Pourtant, ce sont les Vedutas et les vues de la ville qui semblent s'être gravées dans notre mémoire plus que toute autre chose, notamment dans la tradition de Canaletto qui était peut-être le maître incontesté de tous les peintres vénitiens.

Au cours de sa carrière, Guardi s'est essayé à de nombreux genres différents. Il était aussi rapide dans la peinture de paysages, de Vedutas de Venise, de motifs sacrés, d'intérieurs et de compositions architecturales que dans un certain nombre d'autres motifs. Son style est typique de l'école vénitienne mais aussi distinct et personnel une fois qu'on y regarde d'un peu plus près. Il y a une certitude absolue dans la composition, dont le choix ressemble parfois à celui d'une photographie soigneusement calculée – mais c'est aussi très pictural, au meilleur sens du terme : fluide, audacieux, sensible et plein de caractère. Le coup de pinceau est rapide, intense, apparemment insouciant et extraordinairement minutieux à la fois ; frais et prévu dans un mélange très agréable. Ses intérieurs capturent souvent le glamour spacieux à couper le souffle des palais et tout leur décor exquis. Il construisait généralement le motif par des traits et des formes remarquablement simples, presque spontanés mais intuitivement précis. Il en résulte une atmosphère festive et pleine d'entrain, loin de la ressemblance stérile et exacte dont d'autres peintres sont victimes lorsqu'ils tentent de copier Canaletto.

La peinture ici n'a rien de la ville de Venise. Au contraire, nous semblons être transportés très loin dans l'océan solitaire, sans architecture, rien à quoi s'accrocher - seulement la mer rugissante et les falaises dangereuses sur lesquelles les navires sont à quelques instants de se faire écraser. Il s'agit d'une composition maritime évoquant à la fois les précurseurs flamands et italiens, dans la fière tradition de la peinture maritime qui, pendant des siècles, a constitué une partie essentielle de notre culture visuelle.

Ce genre de peinture est aujourd'hui curieusement méconnu, alors qu'il était estimé et significatif lorsque notre rapport à la mer était beaucoup plus naturel qu'il ne l'est aujourd'hui. Lorsque les personnes et les marchandises voyageaient par voie d'eau et que de nombreuses nations et villes, dont Venise, dépendaient entièrement du transport maritime, le lien existentiel avec l'océan était beaucoup plus naturel et intégré dans l'imaginaire. Les écoles et les traditions de l'art maritime sont aussi diverses qu'il y a de pays reliés à la mer, et toutes reflètent la nécessité de traiter les dangers et les merveilles de l'océan.

Il pourrait symboliser l'opportunité, les perspectives passionnantes d'un nouveau pays et d'aventures, un commerce prospère, de beaux paysages ainsi que la guerre et la tragédie, la perte de vie, le danger et le destin. Dire que l'eau est de nature ambivalente est un euphémisme, et ces nombreuses couches étaient quelque chose que les artistes ont exploré de la manière la plus merveilleuse. Il faut peut-être un peu plus de temps à l'œil moderne pour identifier les différentes nuances et qualités des peintures maritimes historiques, elles peuvent à première vue sembler difficiles à différencier les unes des autres. Mais en permettant à ces motifs de se dérouler et de raconter des histoires de la mer à la fois dans la fiction et dans la réalité - ou quelque part entre les deux - nous sommes récompensés par une compréhension de la façon dont les océans ont vraiment construit notre monde.

Dans l'interprétation de Guardi, nous voyons une scène de naufrage presque théâtrale. Pas moins de cinq navires sont représentés en plein moment de catastrophe totale. Pris dans une violente tempête, les vagues les ont poussés vers un rivage de falaises abruptes et s'ils ne sont pas engloutis par les vagues, s'écraser contre les falaises semble être le seul résultat. Les grands navires en bois sont décorés de manière impressionnante avec des sculptures élaborées, et en fait des reliques déjà du vivant de Guardi. Ils sont en fait typiques des navires hollandais et flamands du XVIIe siècle, ce qui nous donne un indice sur l'origine de son inspiration. Guardi a dû voir des exemples d'art maritime flamand, ce qui l'a rendu curieux de ces motifs particuliers. On pense à des peintres flamands comme Willem van de Velde et Ludolf Backhuysen, et ce même tableau a en effet été attribué à tort à Matthieu van Plattenberg. Il porte cependant tous les traits typiques de Guardi et connaître son impressionnante versatilité renforce encore son attribution, tout comme pas moins de dix autres versions connues de la même scène et un dessin d'étude. Les versions du Musée des Beaux-Arts de Montréal et de la collection Gnecchi de Milan sont particulièrement similaires dans leur impact dramatique, le traitement des vagues et le positionnement des navires, formant ensemble un exemple intéressant de la façon dont un artiste pourrait retravailler et explorer une composition. .

Même si les paysages marins ne sont jamais devenus la spécialité de Guardi, l'existence de cette peinture est un témoignage intrigant de sa virtuosité et des avantages artistiques de l'utilisation de la mer comme métaphore de la fragilité de la vie et de la vulnérabilité de l'homme face aux éléments. En outre, il approfondit la compréhension de toute l'école de la peinture vénitienne qui, malgré toute sa splendeur architecturale emblématique, était beaucoup plus polyvalente qu'on ne le pense généralement. Le fait que des œuvres d'art comme celles-ci nous rappellent également une relation oubliée avec la mer renforce encore la précieuse leçon qu'un tableau peut ouvrir les yeux sur l'histoire, une fois que nous lui accordons l'attention qu'il mérite.

huile sur toile
dimensions de la toile 20 x 23 ½ po. (50,8 x 59,7 cm.)
cadre 25,7 x 29 pouces (65,5 x 74 cm.)

Provenance:
Christie's Londres, 2 novembre 2016, lot 180 (attribué à Francesco Guardi), vendu 102 500 GBP ;
Collection privée France ;
Sotheby's Paris, 17 juin 2021, lot 165 (Attribué à Francesco Guardi)

Littérature:
A. Bonfand,Francesco Guardi, una burrasca,étude inédite, 2017, cat. 15comme par Francesco Guardi, fig. 1.

J. Byam Shaw, Les Dessins de Francesco Guardi, Londres, 1951, p. 78, non. 73, illustré.
Une esquisse préparatoire à cette composition est enregistrée par Byam Shaw. À plusieurs égards, ce dessin est plus proche de ce tableau que des deux versions de cette composition de Guardi au Musée des beaux-arts de Montréal et de la collection Bortolotto. La conception de la poupe du navire à l'extrême droite est différente de celle de la photo de Montréal, les nids de corbeaux sont représentés à des angles plus nets et les falaises le long du bord droit sont mieux mises en évidence dans le dessin et ce lot. Dans le dessin, l'homme debout sur le rocher a les bras tendus et essaie d'attraper le gréement : sur cette photo, il a déjà attrapé ça.