Pastels, entre ligne et couleur

Siècle d’or du pastel, le XVIIIe voit s’épanouir la virtuosité de dessinateurs tels que Maurice-Quentin de La Tour, le « prince des pastellistes », et son rival talentueux Jean-Baptiste Perronneau. Ils sont à l’honneur dans la collection Cognacq-Jay, avec des portraits qui comptent parmi leurs chefs-d’œuvre, comme celui de Madame la présidente de Rieux, en habit de bal, tenant un masque, aux dimensions monumentales. 

À ces œuvres françaises s’ajoutent celles de trois pastellistes anglais : Hugh Douglas Hamilton, John Russel et Daniel Gardner, témoins des échanges artistiques entre les deux pays autant que du goût singulier d’Ernest Cognacq pour l’école britannique. 

La facture moelleuse, l’éclatante fraîcheur des coloris et l’expressivité des modèles de ces portraits témoignent du talent des artistes à manier le pastel, cette poudre de couleur aux nuances et aux dégradés variant à l’infini. À la fois ligne et couleur, le pastel offre une rapidité d’écriture, une transcription sensible de l’émotion et une intensité qui reste intacte au fil du temps.

Aux côtés des œuvres de la collection Cognacq-Jay, une sélection de pastels d’artistes du XVIIIe, tels que François Boucher ou Élisabeth Vigée Le Brun issus d’autres institutions de Paris Musées, complète ce panorama. L’accrochage exceptionnel de ces œuvres fragiles, accompagné d’une médiation spécifique, permet d’éclairer le goût pour le portrait intime, caractéristique du siècle des Lumières.

LA TECHNIQUE DU PASTEL
Par leur composition, les pastels permettent une infinie variété de couleurs et de textures. Les bâtonnets sont fabriqués à partir de pigments minéraux, organiques< ou végétaux additionnés d’un liant (gomme arabique pour les pastels secs; huile ou cire pour les pastels gras) et d’une charge (craie ou plâtre), destinée à donner de la consistance et à nuancer les teintes.

Cette technique offre en effet de multiples possibilités d’écriture : traits, hachures, estompage, gommage, écrasement pour un effet flou, tracés vigoureux, surfaces en aplat simples de couleurs pures ou superposées pour un mélange optique des couleurs… Riches en pigments purs, le pastel se superpose en couches poudreuses extrêmement volatiles, mais dont les couleurs perdurent dans le temps, gardant toute leur fraîcheur.

Cette singularité du pastel, qui permet une grande diversité tant de facture que de coloris, est explorée par les artistes. A l’instar de Maurice-Quentin de La Tour, certains travaillent à un rendu illusionniste saisissant, grâce à un fini porcelainé et vaporeux. D’autres, comme Perronneau, apprécient l’approche graphique du médium, et s’attèlent à conserver la « fleur » du pastel, ce grain si particulier qui trahit la matérialité des bâtonnets et la spontanéité de leur usage.

Les spécificités de ce médium, discutées dans de nombreux traités au XVIIIe siècle, sont présentées dans l’exposition.

LE PASTEL AU XVIIIE SIÈCLE

Si le pastel est déjà connu et utilisé par les artistes dès la Renaissance, le XVIIIe siècle lui donne véritablement toutes ses lettres de noblesse. Rosalba Carriera est invitée en France en 1720 par le banquier et amateur d’art Pierre Crozat.
L’artiste vénitienne fréquente les milieux artistiques parisiens pendant près d’un an, transformant le regard porté par les artistes sur l’art du pastel. Pastelliste de talent, elle utilise la richesse du médium pour peindre des portraits, et acquiert rapidement une renommée internationale. Son séjour va marquer durablement, Quentin Latour et d’autres artistes parisiens et contribuer au développement du pastel.

La grâce du pastel, sa ligne souple et vaporeuse et la grande diversité de coloris chatoyant sont autant d’aspects qui séduisent les artistes. De plus, le pastel se prête particulièrement bien au genre du portrait, permettant de saisir rapidement l’expression du visage, sans nécessiter de longues séances de pose. Sa rapidité d’exécution est prisée, tout autant que sa capacité à rendre avec vérité le chromatisme des chairs, les nuances colorées les plus subtiles, mais aussi les différentes textures : moiré du velours, satiné de la soie, douceur des fourrures, délicatesse des cheveux poudrés, brillance des miroirs, éclat des ors.

LES ARTISTES : PERRONNEAU ET LA TOUR

Portraitiste favori de la cour de Louis XV et protégé de la marquise de Pompadour, Maurice-Quentin de La Tour (1704-1788) est reçu à l’Académie royale en 1746 comme « peintre de portraits au pastel ». Il consacre sa carrière à cette technique, dont il exploite les caractéristiques pour rendre les portraits les plus vivants de cette société. Surnommé le « Prince des pastellistes », il représente les personnages les plus importants de la cour, dont il aime à capter la psychologie. « Je descends au fond de mes personnages à leur insu et je les rapporte tout entiers.

Jean-Baptiste Perronneau (1715-1783) a passé sa carrière à voyager, en France autant qu’à l’étranger, s’appuyant sur le réseau des académies et écoles de dessin d’une véritable « République des arts » sans frontière. Il peint ainsi les portraits de lettrés et de personnalités de province, à Bordeaux, Toulouse ou Orléans, mais étend sa clientèle à l’Europe des Lumières, à Londres ou Amsterdam par exemple. Comme La Tour, il multiplie les portraits de ses contemporains, tendant un miroir d’une véracité saisissante à son époque.

La technique distingue fondamentalement l’œuvre des deux artistes. Dans une quête de vérité psychologique, La Tour multiplie les études et reprend ses œuvres parfois jusqu’à en user le papier. À l’inverse, Perronneau compose sans étude préparatoire, et redessine les tout premiers traits, pour donner l’apparence de la rapidité et de l’esquisse. Ils participent tous deux régulièrement aux Salons Cette compétition inégale sacre La Tour en sempiternel vainqueur, alors que les amateurs de l’époque soulignent la grande qualité des œuvres de Perronneau.

LE PASTEL ANGLAIS

L’art du pastel anglais diffère quelque peu de son équivalent outre-Manche, et préfigure déjà un climat nouveau, porté par ce qui fera le romantisme au début du XIXe siècle. Dans le contexte de la création de la Royal Academy of Arts, les artistes participent d’une émulation nouvelle, et tentent de définir une identité artistique anglaise. Cette recherche de création d’une école nationale amène les artistes à expérimenter dans plusieurs domaines, notamment celui du portrait.

Face au portrait aristocratique officiel, directement hérité du portrait royal à la française, se développent des représentations plus naturelles, fondées sur la recherche de psychologie, de sentiment, et d’intimité. En effet on assiste, dans la seconde moitié du siècle, à l’émergence d’un intérêt particulier pour l’individu, sa psychè, ses émotions, et leur représentation. Savamment mis en scène, le portrait se développe dans un écrin paysager, qui renforce l’impression de naturel.

Cette synthèse entre les deux genres du portrait et du paysage, qui laisse la part belle à la représentation d’une nature plus ou moins indomptée, est une formule originale de l’école anglaise, et contraste avec les portraits français situés sur un fond neutre, ou dans un décor de boudoir. Les pastels anglais traduisent ce mouvement vers une recherche de naturel, tant dans les décors extérieurs, que dans la représentation d’animaux, liens avec le monde sauvage, ou dans les attitudes des personnages, comme capturés dans un instant fugace.

La présence d’œuvres anglaises constitue une singularité notable de la collection d’Ernest Cognacq et Marie-Louise Jay.

L’oeuvre de ce dernier a toujours pâti de la prétendue rivalité entre les deux artistes jusqu’à sa redécouverte au XIXe siècle par les frères Goncourt.

Cette présentation fait honneur à ces deux figures incontournables de la technique du pastel au XVIIIe siècle et met en exergue la singularité de leurs pratiques.

MUSÉE COGNACQ JAY

Jusqu’ au 11 février 2024

8, rue Elzévir, 75003 Paris